Formation professionnelle L'ACTEUR-CREATEUR en un an (à mi-temps)

Une formation artistique dirigée par Phil Kaiser et inspirée de la pédagogie de Jacques Lecoq pour apprendre ou approfondir les bases du jeu de l'acteur et/ou pour se préparer à des études de théâtre/cinéma

Nous explorons le mouvement et la voix qui nous servent à nous métamorphoser en quelqu'un d'autre. Nous créons des personnages dans lesquels le corps, les pensées et les émotions forment un tout. Nous découvrons les bases communes de la comédie, de la tragédie, du drame et du jeu face-caméra ainsi que de nombreux outils pour transposer les textes écrits en jeu vivant. Nous faisons vivre l'artiste qui est en nous.

Il est éventuellement possible de prolonger sa formation d'une année supplémentaire.

Dates et horaire :

Lundi, mardi, mercredi et jeudi de 14h à 18h30

Formation 2018/2019:

Début: 1er octobre 2018

Fin: 27 juin 2019

Pas de cours pendant les vacances scolaires.

Il est encore possible de rejoindre le groupe!

Lieu:

Atelier de l'acteur c/o Shalom Center, rue Madyol 5, 1200 Bruxelles (Woluwé-Saint-Lambert), métro Tomberg

Certains cours peuvent avoir lieu dans une autre salle à Bruxelles.

Prix:

1430 € par trimestre

Les participants:

La formation s’adresse aux personnes en quête d’outils pour pratiquer le jeu de l'acteur. Elle s’adresse plus particulièrement

  • aux acteurs en train de se professionnaliser;
  • aux animateurs dans le secteur socio-culturel, éducateurs, professeurs, thérapeutes, psychologues... qui utilisent des techniques théâtrales ou désirent le faire;
  • aux danseurs, chanteurs et instrumentistes qui veulent améliorer leur présence sur scène;
  • aux auteurs, metteurs en scène et scénographes qui sentent le besoin d'expérimenter la scène;
  • aux comédiens amateurs engagés qui ont envie de progresser;
  • aux jeunes à partir de 18 ans qui songent à devenir acteur et à se présenter à un examen d'admission dans une école d'art dramatique;
  • à toute personne qui a un don artistique et qui veut vérifier si ce don est pour le théâtre ou pour le cinéma;
  • aux personnes de tous les âges et de toutes nationalités qui ont envie de goûter aux plaisirs du jeu et de la création théâtrale.

Plus les participants seront hétérogènes, plus nos expériences seront riches !

Le nombre de participants est limité à 14 et peut être revu à la baisse.

Les enseignants:

Phil Kaiser est le professeur principal. Il a 50 ans et enseigne depuis plus de 20 ans. Il a acquis son expérience à la «International Academy for Creation and Theatre – de Kleine Academie» à Bruxelles, qui proposait une formation professionnelle de théâtre en trois ans, au département de la scénographie de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts «La Cambre», également à Bruxelles, ainsi qu’à l’académie de danse «Erika-Klütz-Schule» à Hambourg. Diverses institutions en Belgique et en Allemagne l’invitent comme pédagogue.

Phil Kaiser est également acteur et metteur en scène. Il a conçu et mis en scène de nombreuses productions théâtrales qui ont tourné en Belgique et à l’étranger.

Il a étudié à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts à Hambourg. A Berlin, il a suivi une formation comme professeur de respiration. Il possède également un diplôme d’Etat de professeur de mouvement et de danse.

Depuis 2016, il anime l’Atelier de l’acteur.

Sandra Vincent est prévue comme professeur complémentaire. Artiste chorégraphe et interprète corps et voix, elle se forme à la danse depuis le plus jeune âge. Philosophe de formation, elle vit la pensée en mouvement, incorporée, à travers l’improvisation et la composition.

La musique est sa plus grande source d’inspiration. La voix et le chant, qu’elle découvre avec Anne-Marie Blink, la passionnent et lui donnent une nouvelle voie physique à explorer.

C’est cette recherche qu’elle partage au sein des ateliers qu’elle anime depuis plus de 15 ans en Belgique et à l’étranger. Sous Playsure Company qu’elle fonde en 2005, elle met en scène des danseurs amateurs et professionnels et mélange les générations.

Par ailleurs, l'approche systémique à laquelle elle est formée entre 2008 et 2010 lui donne à vivre l'expérience humaine qui anime son métier de chorégraphe: celle de la place qu'on prend. Quelle place prend l'artiste dans la société? Que fait-il sur scène? Quel est son champ d'action? En Californie, auprès d'Anna Halprin (Life-Art Process) et de Bonnie Bainbridge Cohen (Body-Mind Centering), elle approfondit sa relation au corps mental, physique et émotionnel, moteur caché de toute création artistique.

D'autres intervenants pourraient également joindre la formation.

Méthode de travail:

Nous faisons des recherches et des expériences dans un esprit d'ouverture. Les participants sont suivis avec attention et reçoivent des retours réguliers sur leur évolution.

Contenu de la formation:

C’est l'acteur avec sa personnalité et sa sensibilité artistique qui se trouve au coeur de la formation « L’Acteur-Créateur ». Pour cette raison, le programme se construit au fil de l’année en fonction des besoins et des intérêts des participants. Une part importante sera aussi accordée à ce qui naît dans l’instant. La description de l’enseignement reprise ci-dessous n’est donc pas immuable, et si la base reste la même, des variations ont lieu chaque année.

Le contenu en quelques mots-clef:

  • conscience du corps et mouvement
  • respiration et voix
  • les sonorités des mots et le texte
  • rythme
  • l'espace scénique
  • jouer ensemble, le choeur
  • lieux, situations, événements, conflits
  • le masque neutre
  • les masques larvaires et balinais
  • construction de personnages
  • création de scènes, dramaturgie

Nous travaillons sur la conscience du corps pour nous sentir à l’aise et pour pouvoir utiliser toutes les possibilités de celui-ci dans le jeu. Nous explorons le mouvement et nous découvrons les forces qui agissent dans les différentes parties du corps. Dans l’espace corporel inférieur, qui comprend le bassin, les jambes et les pieds, nous trouvons la stabilité mais aussi la vitalité. Au milieu de notre tronc est située la confiance en nous. Les émotions plus fines naissent dans le haut du corps.

Cours sur la conscience du corps et la respiration à l'atelier de l'acteur à Bruxelles

Nous jouons des animaux. Nous sortons des postures habituelles de notre corps humain pour construire une architecture corporelle qui reflète l’animal. Comment bougent nos pieds et nos jambes quand nous jouons le cheval? Et comment bougent nos mains quand nous jouons le chat? Et la colonne vertébrale quand nous faisons le serpent? Bougeons-nous rapidement ou lentement? Faisons-nous des temps d'arrêt? Nous explorons les différentes dynamiques du mouvement.

La respiration agit comme lien intérieur. Elle réagit aux émotions, pensées et impulsions corporelles, qui surgissent dans les différentes situations.

Une attitude corporelle équilibrée et une respiration libre sont bénéfiques à la voix. Nous partons à la découverte des possibilités de celle-ci en faisant résonner des voyelles, des consonnes et des syllabes. Nous constatons que souvent, la sonorité des mots indique leur sens. Comme en commedia dell’arte ou comme dans le clown, nous nous exprimons avec des interjections et des onomatopées (Chut, Ha, Mmm, Ooo etc) qui nous aident à garder le contact avec notre corps et nous font changer d’état et d’humeur. Nous découvrons les espaces de résonance et les muscles du visage afin d’être bien compris du public grâce à une articulation claire et précise.

Cours de rythme donné par Phil Kaiser

Un bon texte porte en lui un rythme, un rythme expressif. Le rythme d’une valse en trois temps nous rend légers et nous entraîne, le rythme d’une marche en quatre temps nous cadre et nous discipline. Le rythme du comique est plus rapide que le rythme du tragique. Dans un numéro burlesque c’est surtout le rythme qui compte. Si le rythme des actions est juste, le public éclate de rire, sinon il se tait. C'est pourquoi une grande importance est accordée aux exercices de rythme.

Nous découvrons les lois de l'espace scénique. Quelle est la bonne position pour le discours d’un souverain puissant? Comment est-ce que nous organisons l’espace pour parler à un groupe de courtisans, de députés ou de manifestants? Que dégage un acteur qui se trouve en avant-scène à gauche? Et à la même position de l’autre côté?

Pour jouer un dialogue nous pouvons nous mettre face à notre partenaire, derrière lui, à côté, proche ou loin de lui. En fonction de notre position nous paraissons comme son époux, son conseiller, un délégué ou comme accusé.

Cours de jeu d'acteur à l'atelier de l'acteur à Bruxelles

Nous nous entraînons à jouer ensemble. Nos sens s’ouvrent à notre partenaire, et soit nous nous adaptons à son énergie, soit nous exerçons un effet sur lui. Nous apprenons à attirer l’attention du public ou à la diriger sur notre partenaire. Nous apprenons à jouer en chœur.

Nous jouons des lieux. Notre comportement s’adapte généralement à l’endroit où nous nous trouvons. Dans un restaurant nous sommes assis d’une manière différente que devant la télévision. Dans un ascenseur notre regard est court, dans la montagne il va loin. A l’opéra nous communiquons discrètement, au stade de football nous hurlons. La pièce de Botho Strauss « La Trilogie du Revoir » se déroule entièrement dans une galerie d’art ! Le lieu a une influence décisive sur l’histoire.

Ensuite, nous allons plus loin. Nous travaillons sur les situations. « Pendant la nuit. Tout le monde dort. Roméo qui veut être proche de Juliette a pénétré dans le jardin des Capulet et se trouve en-dessous de la fenêtre de Juliette » est une situation très connue.

Nous apprenons ce qule terme «événement» signifie au théâtre et ce qu’il impliquePar exemple: un homme est en train de lire dans un compartiment de train. Une dame très élégante s'installe face à lui. Cet événement fait qu’il se redresse sur son siège, qu’il lance de petits regards curieux vers la dame et qu’il poursuivra sa lecture avec moins de concentration.

Nous travaillons sur les conflits. Nous expérimentons toutes sortes de tensions et nous les exacerbons. Les tensions sont un ingrédient vital de toute pièce et de tout filmque ce soit un thriller, une comédie ou une tragédie.

Le masque neutre de Jaques Lecoq et Amleto Sartori

Nous faisons connaissance avec le masque neutre. Cé par Amleto Sartori, sculpteur italien, et Jacques Lecoq, professeur de théâtre françaisil est en cuir et fait penser aux masques du théâtre japonais traditionnel. Le visage est neutre, calme, sans émotion ni caractère. Les traits du visage sont en parfait équilibre.

Pour paraître juste, le corps de l’acteur et l’expression du masque doivent former une unité. L’acteur doit adapter sa manière de bouger et de jouer au masque. Nous jouons des situations muettes comme « Monter sur la montagne » ou « Regarder le coucher du soleil sur la mer ». Nous repérons le pathos exagéré, le jeu esthétisant ou trop intellectuel, les tics et d’autres mauvaises habitudes de jeu. Nous apprenons à jouer d’une manière propre.

Avec les masques larvaires nous nous approchons des personnages. Les masques viennent de Bâle où ils sont portés lors du Carnaval. Ils sont blancs, assez grands et ronds, ovales, triangulaires ou carrés. Leurs nez ont des formes caractéristiques.

Le masque larvaire indique d’une manière simple un caractère. Nous essayons de saisir ce caractère et de l’exprimer par des attitudes, gestes et déplacements. Notre jeu est ample et clair. Nous ne sommes pas dans un théâtre réaliste et nous profitons de notre liberté pour inventer sans limite.

Cours de théâtre avec les masques larvaires dirigé par Phil Kaiser

Ensuite, nous enlevons les masques. Nous approfondissons ce que nous avons appris et nous nous transformons en personnages tels qu’on les trouve dans la vie quotidienne. Nous construisons des personnages nuancés, qui ont une situation de vie et une biographie crédibles. Le personnage a un nom, un âge, une profession, des hobbies et des coutumes. Prend-t-il du café au petit déjeuner ou du thé? Passe-t-il ses vacances aux Canaries ou en Inde?

Les différents personnages se rencontrent à des endroits et dans des situations. Petit à petit, leur caractère, leurs peurs, leurs désirs se révèlent. La parole a de l’importance. Le personnage, parle-t-il fort ou doucement? Articule-t-il ou parle-t-il dans sa barbe? Quelles sont ses maximes et ses devises? Vous profiterez de ce travail pour créer des personnages vivants dans «La Mouette» de Tchekhov, «Le Malade Imaginaire» de Molière etc.

Cours de théâtre dirigé par Phil Kaiser

Nous inventons des scènes et découvrons la dramaturgie. Est-ce que la scène est compréhensible? Est-elle cohérente et bien construite? Le début de la scène, éveille-t-il notre curiosité? Est-ce que la tension de la scène suit une courbe? Où est son sommet? Quels contrastes y-a-t-il ? Quel est le style de jeu, et est-ce que tous les acteurs le respectent? Ces expériences s’avéreront utiles pour comprendre et mettre en scène des textes de théâtre ainsi que pour créer de nouvelles pièces.

Les exercices de création touchent aux Beaux Arts, à l’architecture, la musique, la littérature et la danse.

Votre sensibilité artistique et votre imaginaire évoluent progressivement.

CE QUI POURRAIT AUSSI ÊTRE INTÉRESSANT POUR VOUS:

Vous pouvez compléter la formation « L’Acteur-Créateur » par la formation de commedia dell’arte en 6 week-endsLes codes de jeu de la commedia dell'arte font partie des fondements du théâtre!

Comment donner vie au texte peut être approfondi au cours de jeu d’acteur du mardi soir.

Informations et inscriptions:

philkaiser@skynet.be

0495 886385

Lors d’un entretien approfondi nous faisons connaissance et évaluons ensemble si cette formation fait sens pour vous et répond à vos besoins et attentes. Pour la demande d’inscription vous envoyez votre CV, une lettre de motivation et le bulletin d’inscription dûment rempli. 

Pour être tenu au courant des activités de l'Atelier de l'acteur, remplissez le formulaire ci-dessous et cliquez sur "envoyer" svp.